Refazer um filme clássico é como colocar seu filho para adoção. Você só deve fazer isso se precisar de muito dinheiro e, mesmo assim, é uma tragédia. Esperamos que o sarcasmo aqui seja evidente, assim como a ganância dos estúdios modernos quando se trata de sacrificar nossas memórias cinematográficas em favor do dólar todo-poderoso.
Você cuspiria em um Van Gogh? Editar Faulkner? Tame Tchaikovsky? Se sua resposta for qualquer coisa, menos um sonoro "NÃO", ore por perdão. Lembre-se: fazer as mudanças mais sutis no tom de pele de Yoda na coleção remasterizada de Guerra nas Estrelas fez de George Lucas um pária, então deixe isso ser um aviso para Hollywood: você continua relevante e essencial para a cultura e a política por causa de sua criatividade. Continue a extrair esse recurso e resista à tentação de reformar o solo sagrado. É do seu interesse deixar as verdadeiras joias da história do cinema para a Criterion Collection, The Smithsonian e o US National Film Registry
Já cobrimos 10 filmes que Hollywood irá inevitavelmente refazer, mas aqui está nossa lista dos 10 filmes que Hollywood nunca deveria refazer:
E o vento levou (1936)
A adaptação do romance de Margaret Mitchell de 1936 exigiu um nível de dedicação e grandiosidade que Hollywood nunca experimentou. De muitas maneiras, E o Vento Levou de Victor Fleming se tornou o padrão ouro para o filme épico. Não deixando pedra sobre pedra com sua visão abrangente do sul pré-guerra em sua primeira metade, e a destruição total das lutas internas da América e as tentativas de reconstrução na segunda, o filme de 1939 deixa uma impressão que é difícil de abalar.
Vivien Leigh, Clark Gable e Hattie McDaniel apresentaram algumas das performances mais memoráveis de seu tempo, enchendo a tela com contrastes gritantes de emoção mercurial, masculinidade dos velhos tempos e humor irônico. Acompanhado pela onda de uma pontuação de Max Steiner, E o Vento Levou disparou em todos os cilindros. Poderia ser refeito hoje? Apenas no nome.
8 Casablanca (1942)
Três anos após o sucesso de E o Vento Levou, o sistema de estúdio de Hollywood começou a trabalhar com sua produção mercantil de filmes. Eles tinham uma fórmula que funcionava. Quando Casablanca desceu o pique como uma adaptação da peça não produzida, Everybody Comes to Rick's, foi colocado na pista rápida de produção para capturar o zeitgeist da Segunda Guerra Mundial durante a invasão Aliada do Norte da África.
O lançamento do filme se provou brilhantemente cronometrado e, embora Casablanca tenha obtido ótimos retornos de bilheteria e uma reação positiva da imprensa, conquistou a consciência do público bem depois de sua estreia inicial. Graças a um roteiro transcendente que oferece falas memoráveis para cada cena do filme, o drama de guerra do diretor Michael Curtiz continua sendo um dos filmes mais românticos já criados. Humphrey Bogart e Ingrid Bergman queimam a tela. As imagens, a música e o tom são quase como um sonho, e toda vez que você termina de assistir Casablanca, você quer tocá-lo novamente.
7 Citizen Kane (1941)
Orson Welles tinha apenas 26 anos quando dirigiu Cidadão Kane, colocando maturidade e seriedade no filme que poucos diretores conseguiram desde então. Um homem fervoroso do teatro, Welles passou seus 20 anos se dedicando ao teatro, apesar dos avanços financeiros de Hollywood. Quando seus esforços teatrais o deixaram sem dinheiro, ele voou para Los Angeles e, depois de uma turnê pelos estúdios da RKO, assinou um contrato para duas filmagens com seus executivos.
Certamente, Welles possuía as graças sociais da marca Clooney, já que o cineasta estreante saiu com um orçamento pesado, autonomia desenfreada de roteiro e, o padrão ouro do poder de direção, os direitos de edição final na sala de edição. Em essência, as mentes brilhantes da RKO confiaram a esse artista de meados dos anos 20 as chaves do reino.
Muitas vezes pregando peças no estúdio e trabalhando sem parar, ele fez o filme exatamente como o imaginou. Cidadão Kane não é apenas um ícone duradouro da Hollywood vintage, deve ser apresentado como uma prova de que grandes diretores merecem controle criativo completo. Se, para cada dez tentativas abortadas de grandeza, o público recebe um Cidadão Kane, então a aposta do "Diretor Ditador" vence a burocracia do estúdio no longo prazo.
É uma vida maravilhosa (1946)
Embora seja frequentemente lembrado como um filme de Natal, o comovente filme de Frank Capra de 1946 é um drama de cortar o coração vestido de Papai Noel. Pensamentos de suicídio, do tipo que George Bailey (James Stewart) experimenta, não são motivo de riso. Talvez seja por isso que os melhores momentos do filme nos lembram que realmente vivemos uma vida maravilhosa.
É o tipo de filme que dá vontade de abraçar sua família e desacelerar as coisas por um minuto. O vilão desprezível, Sr. Potter (Lionel Barrymore), faz sua pele arrepiar com sua crueldade egoísta, quase fornecendo um chamado à ação contra nossa tendência social para a ganância.
It's a Wonderful Life tem seus momentos de horror, especialmente quando George Bailey vê como seria a vida sem ele. Capra dirige essas sequências com uma qualidade de pesadelo que assombra tão prontamente quanto as cenas de reconciliação são queridas. Elogios suficientes não podem ser dados a Jimmy Stewart por esta performance, e somente por essa razão, o filme deve permanecer completamente intocável.
6 Cool Hand Luke (1967)
“O que temos aqui é falha de comunicação!” É o que fala o capitão sadomasoquista (Strother Martin) em Cool Hand Luke, ilustrando exatamente a diferença entre homens fracos de sua laia e o espírito indomável de homens como Lucas “Luke” Jackson (Paul Newman). Donn Pearce e Frank R. Pierson escreveram um roteiro hermético que ofereceu a Newman sua performance de força total em uma bandeja de prata.
Cool Hand Luke nunca pode ser reiterado porque o filme é definido por seu ator principal. Esse tipo de arrogância presunçosa e depressão profunda tornavam o Newman de olhos azuis uma espécie de paradoxo. Ele tirou aquele coquetel dramático em The Hustler, apenas seis anos antes, e ele aperfeiçoou sua arte desde então. No filme, Newman interpreta um veterano da Guerra da Coréia que agita a turba e é fisgado por uma gangue por decapitar parquímetros bêbados.
As coisas parecem sombrias para Luke, mas enquanto cumpre a pena, ele redescobre sua tenacidade e, por meio de uma série de julgamentos no pátio da prisão, torna-se o homem mais respeitado da prisão. Sem surpresa, Cool Hand Luke se tornou um dos filmes mais respeitados da história.
5 O Poderoso Chefão (1972)
Quem refizer o clássico de Francis Ford Coppola com certeza será o anticristo. Qualquer tentativa de reimaginar o épico de Corleone seria um insulto vivo ao cinema, a Brando, Pacino, de Niro, Duvall, Cazale e aos inúmeros outros artistas que pegaram o livro de Mario Puzo e o transformaram em uma obra de pura poesia.
Como começar a descrever a magnificência do clássico de 1972? O bardo cego não precisava descrever muito Helena de Tróia. Ela era simplesmente perfeita. O Poderoso Chefão tem resmas de literatura dedicadas a ele e, apesar da dissecação nauseante do épico gangster do mundo do cinema, as conversas nunca cessarão.
Temas de respeito, honra e família são profundamente enraizados na trilogia de Coppola e, embora muitos dos Corleones tenham sangue nas mãos, eles conquistaram o público com sua paixão e fervor pela vida. Os valores de produção são transcendentes, e os contrastes entre personagens como Michael e Sonny Corleone tornam o filme verdadeiramente vibrante.
4 The Graduate (1967)
"Sra. Robinson, você está tentando me seduzir. Não é? ” Mike Nichols preenche seu segundo filme com referências fálicas e imagens suficientes para garantir uma classificação R, mas sua astúcia de direção e classe proporcionaram um PG amigável para os pais. O Graduate tornou - se o esteio da carreira de Nichols e Dustin Hoffman, com aquela corrente de inquietação sexual e crises de identidade que encapsulou a época.
Claro, assistir Benjamin Braddock (Hoffman) dormir com a eminentemente sedutora Sra. Robinson (Anne Bancroft) provou ser controverso para a época, mas deu ao público uma das histórias de maioridade mais engraçadas e envolventes para filmar. Ocorrendo na década de 1960, quando a família nuclear americana tinha muito menos fissão do que a bomba atômica, os golpes irônicos de Nichols na cultura (“plásticos”) eram avançados, impecáveis e inimitáveis.
3 On The Waterfront (1954)
On the Waterfront foi baseado em um punhado de artigos publicados em 1949 que expôs a brutalidade e as lutas internas entre estivadores de Nova Jersey, tornando o filme uma oportunidade única na vida. Fornecendo a melhor fonte de material para um filme, o jornalista Malcolm Johnson deu ao diretor Elia Kazan o tipo de matéria-prima e realismo que ele sempre se esforçou para encontrar.
Kazan era famoso por provocar brigas e inseguranças em seus sets, acendendo o pavio para o que ele esperava que fosse uma explosão de barril de pólvora assim que as câmeras começassem a rodar. Terry Malloy (Marlon Brando em um de seus papéis mais duradouros) representa o operário americano que teve uma chance de glória e errou, levado à degradação por seu dúbio chefe da máfia Johnny Friendly (Lee J. Cobb, o melhor na tela ameaça).
No final das contas, o filme lançou um holofote sobre a corrupção embutida nas Docas Hoboken e deu aos espectadores uma fatia da vida que nunca pode ser reproduzida.
2 Lawrence da Arábia (1962)
Peter O'Toole é um peso-pesado no folclore cinematográfico e, embora de alguma forma tenha escapado aos favores da Academia e não tenha conseguido ganhar o Melhor Ator por Lawrence da Arábia, sua interpretação de TE Lawrence definiu o herói de Hollywood. Magro e educado com a enunciação de um estudioso inglês, O'Toole transforma Lawrence em um cowboy brilhante das areias árabes.
O épico de 1962 de David Lean retrata seu personagem homônimo como um herói britânico que ajudou a promover o sucesso de Union Jack na Península Arábica durante a Primeira Guerra Mundial. Ele não era um John Wayne normal, entretanto, e foi aí que O'Toole encontrou espaço para suas habilidades de atuação de primeira linha. No filme (brilhantemente rodado pelo diretor de fotografia Freddie Young), TE Lawrence é mostrado como um guerreiro cheio de remorso, em conflito com suas vacilações violentas e pacíficas. Ele usa seu PTSD cheio de culpa em suas mangas de robe beduíno, mas no clássico estilo inglês, suas próprias preocupações não o impedem de cumprir seu dever.
Lawrence de O'Toole luta com suas responsabilidades, mas nunca é engolido por elas. Produzido bem depois do lançamento de E o Vento Levou, Lawrence da Arábia pode, com justiça, ser considerado uma extensão do épico de Victor Fleming, mostrando a Hollywood o potencial ilimitado da narrativa cinematográfica.
1 A Clockwork Orange (1971)
Refazer um filme de Kubrick exigiria uma ousadia incrível. Como alguém começaria a acessar a abordagem meticulosamente particular do famoso diretor para fazer filmes? Talvez a entrada mais intocável em sua obra seja A Clockwork Orange, uma verdadeira viagem por uma via mentalmente instável que inclui uma das cenas mais sádicas já definidas para o inocente "Singin 'in the Rain". Pobre Gene Kelly.
Alex (Malcolm McDowell) lidera a gangue de jovens cockney com destino à Grã-Bretanha que estupra e pilha seu caminho em uma sociedade cada vez mais destruída. É um filme perturbador e chocante que agride os olhos enquanto dá socos no estômago ao nosso senso de moralidade e razão. Se há alguma imagem no filme que melhor capta as capacidades de Kubrick, é sem dúvida a cena em que Alex tem os olhos mecanicamente abertos e alimentados à força com imagens agressivas que reconfiguram seu cérebro.
Obrigado, Stanley.
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Aí está! Quais filmes clássicos você acha que deveriam ser isentos de um remake de Hollywood? Deixe-nos saber nos comentários abaixo!