“O tempo torna todos nós tolos”, disse o matemático Eric Bell. É uma frase que você provavelmente fez algumas vezes, normalmente quando alguém está lamentando a perda dos bons velhos tempos ou de algumas circunstâncias atuais. É um ditado deprimente que se torna ainda mais trágico pela forma como muitas vezes se mostra verdadeiro. Os fãs de cinema sabem disso muito bem. Muitas vezes, nos lembramos de algum filme antigo de nossa juventude como sendo ótimo, ou ouvimos sobre um filme antigo que foi considerado um clássico, e ficamos desapontados quando o verificamos agora por nós mesmos e descobrimos que ele não sobreviveu ao teste do tempo.
A parte dessa citação que tende a ser cortada é "Nosso único conforto é que maior virá depois de nós." É tentador, às vezes, defender os filmes clássicos ao longo dos anos como exemplos perfeitos do que os filmes são capazes de fazer de melhor. Nós os colocamos em um pedestal tão alto que estamos destinados a olhá-los para sempre, nunca alcançando suas alturas impossivelmente elevadas. A verdade é que o tempo pode enganar até mesmo os maiores filmes (sem falar nos sucessos de bilheteria mais modernos). Em vez de ignorá-lo, talvez seja melhor lembrar que ele abre caminho para coisas maiores que estão por vir.
Aqui está a opinião da Screen Rant sobre os 15 filmes clássicos que envelheceram mal.
15 Mean Streets (1973)
O amado crítico de cinema Roger Ebert certa vez se referiu a Mean Streets como "um dos pontos de origem dos filmes modernos". Muitos fãs, no entanto, simplesmente optam por lembrá-lo como o primeiro filme verdadeiro de Martin Scorsese. Embora isso não seja preciso cronologicamente, é espiritualmente correto. Este é o filme que estabeleceu o amor de Scorsese pela linguagem rude (estabeleceu um recorde para a maioria dos usos da palavra F), retratos realistas do crime na cidade e uso de música licenciada para criar uma cena. É um estilo que Scorcese e muitos outros diretores seguiram para imitar e aperfeiçoar ao longo dos anos.
Isso é parte do problema com Mean Streets. É um rascunho que seria editado por muitos grandes visionários (principalmente o próprio Scorsese) até que se tornasse uma obra-prima atemporal em filmes como Goodfellas. Existem exemplos adoráveis de cinema amador em Mean Streets (cenas de luta que não parecem coreografadas), mas grande parte do filme parece desleixado em vez de cru. Taxi Driver, um filme de Scorsese lançado apenas três anos depois de Mean Streets, não perdeu nada com o tempo. É difícil dizer o mesmo para este filme que já foi fácil de elogiar por ser um tipo diferente de filme policial.
14 The Birds (1963)
A grande maioria dos filmes clássicos de Hitchcock envelheceu incrivelmente bem. Na verdade, é meio assustador como filmes como Janela Indiscreta, Vertigo e North By Northwest ainda têm poucos equivalentes cinematográficos modernos. A melhor coisa sobre os melhores filmes de Hitchcock é que eles têm uma maneira de envolvê-lo completamente em seus mundos. Hitchcock usou sua câmera como o pincel de um pintor, para detalhar cuidadosamente cada centímetro de cada quadro. É esse nível de controle que o ajudou a se tornar "O Mestre do Suspense".
Poucas dessas qualidades atemporais aparecem em Os pássaros. Existem alguns momentos de beleza cinematográfica em Os Pássaros, mas este é Hitchcock em sua forma mais pouco inspiradora (o que não é tanto um insulto quanto você está pensando). Muitos dos elogios iniciais que este filme recebeu tiveram a ver com os efeitos especiais do filme. Agora que esses efeitos estão tão desatualizados, torna-se muito mais difícil realmente acreditar em toda a premissa de “os pássaros decidem começar a atacar as pessoas”. Considerando quanta milhagem o filme tenta tirar dessa premissa, isso é um problema. No que diz respeito à eficácia de longo prazo, isso não se compara ao esforço anterior do gênero Hitchcock, Psycho.
13 Breakfast At Tiffany's (1961)
É fácil ver o que as pessoas viram em Breakfast At Tiffany's quando foi lançado pela primeira vez em 1961. Foi uma adaptação de um romance de sucesso, estrelou a incomparável Audrey Hepburn em um papel icônico, e o filme foi rodado incrivelmente bem (seu melhor direção de arte (Oscar é bem merecido). Foi uma comédia romântica no espírito de filmes clássicos como It Happened One Night, mas com relevância moderna o suficiente para lhe dar uma vantagem. Porém, assista ao filme agora e provavelmente se concentrará em algumas coisas que o público de então não fazia.
A mais notável entre essas revelações modernas é o papel horrivelmente racista de Yunioshi, interpretado por Mickey Rooney. É uma anomalia no filme, pois é uma representação tão abertamente racista que quase transcende o racismo. Olhando além mesmo daqueles elementos claramente datados, você ainda tem um filme que não consegue encontrar o seu objetivo. Café da manhã na Tiffany de Truman Capote contou a história comovente de uma jovem tentando encontrar seu caminho em uma cidade violenta. O maior pecado do filme é "hollywoodizar" muitos dos elementos originais da história de uma forma que o público moderno costuma demonizar os estúdios.
Febre de 12 de sábado à noite (1977)
“Mas a Febre de Sábado à Noite é uma fotografia dos anos 70!” você pode estar dizendo. Nesse caso, você certamente não está errado. O filme de John Badham de 1977 sobre um garoto do Brooklyn chamado Tony apenas tentando se divertir e talvez encontrar um pouco de fama como o melhor dançarino em seu canto do mundo certamente captura o espírito dos anos 70. A moda do filme costuma ser o que muitas pessoas pensam quando tentam retratar os jovens desse período. Sua trilha sonora imortalizou para sempre os Bee Gees e outras lendas do disco, as cenas de dança são ótimas, a atmosfera é animada e a direção é muito precisa.
O motivo pelo qual Saturday Night Fever é datado não tem nada a ver com música ou moda e tem tudo a ver com personagens. Tony é generosamente descrito como um idiota. Ele tem uma mente fechada que geralmente o leva a tentar fazer o máximo de sexo possível ou criar um inferno desnecessário. Nesta era pré-epidemia da Aids, isso poderia ter sido mais fácil de engolir, mas as promíscuas aventuras do macho alfa de Tony e seu grupo de amigos cabeças-vazias em busca de emoções são dignas hoje. A tentativa de estupro de Stephanie por Tony após um concurso de dança provavelmente será o momento em que os telespectadores modernos simplesmente escolherão fazer outra coisa.
11 Witness For The Prosecution (1957)
Witness For The Prosecution certamente não foi o primeiro filme dramático de tribunal, mas é fácil rastrear o gênero como o conhecemos agora de volta às influências deste filme. É a história de um homem acusado de assassinato, apesar das pesadas evidências circunstanciais do caso. As coisas chegam a um ponto em que tanto a promotoria quanto a defesa percebem que todo o caso pode depender do testemunho da esposa do réu. O resto da história se desenrola através de uma série de reviravoltas, o tipo que comumente associamos a tais épicos de tribunal.
Por mais inovador que o filme seja nesse aspecto, ele também revela sua idade na forma como esses momentos se desenrolam. Os eventos do julgamento têm o objetivo de chocar e surpreender os espectadores, mas muito do choque foi diluído ao longo dos anos pela natureza do próprio caso. Dadas algumas das tragédias de que ouvimos falar diariamente, mal se registra o assassinato de uma idosa rica. Certamente não ajuda que alguns dos momentos mais importantes do filme sejam narrados de uma forma incrivelmente desajeitada. Na verdade, o grito de Marlene Dietrich de "Damn You!" está exatamente lá com o "Não!" de Darth Vader em termos de entregas dramáticas tornou-se cômico. Esperemos que o novo remake (possivelmente dirigido por Ben Affleck) tenha mais peso nos próximos anos.
10 Rebelde Sem Causa (1955)
Em uma época em que os americanos estavam apenas começando a se conscientizar do conceito de adolescentes como seu próprio grupo de adolescentes, Rebel Without A Cause apareceu e tentou atrair essa população crescente. Este foi o filme que prometeu finalmente iluminar esta geração incompreendida. Por causa disso, atraiu igual quantidade de polêmica e elogios. Nações inteiras temiam seu poder de incitar a rebelião adolescente. Outros simplesmente o saudaram como uma revolução.
Hoje em dia, é muito mais fácil tratar o filme como uma paródia de sua época. Na verdade, há muitos aspectos deste filme que foram parodiados. As gangues over-the-top (neste caso estamos a um número de dança de West Side Story), a atuação over-the-top (“Você está me destruindo!” De James Dean foi a inspiração para a apresentação de The Room da mesma linha), e o uso prolífico de atores mais velhos interpretando adolescentes são todos dignos de uma boa virada de olhos. Quase tudo neste filme foi projetado para gerar uma reação emocional do público da época. Agora, essa comédia não intencional tem mais probabilidade de gerar risadas.
9 True Grit (1969)
True Grit está em um lugar estranho, historicamente falando. Foi lançado em 1969, três anos depois de The Good, The Bad e The Ugly e no mesmo ano de Butch Cassidy e Sundance Kid. Resumindo, foi lançado em uma época em que o filme de faroeste estava começando a ficar um pouco mais corajoso. Apesar do nome, True Grit realmente não tenta tirar proveito desse novo estilo emergente. É um tipo clássico de faroeste lançado em uma época em que o gênero estava amadurecendo.
Essa é parte da razão pela qual o filme é um pouco mais difícil de aceitar hoje em dia. Não tem o charme inocente não filtrado dos primeiros faroestes, e também carece da maturidade sombria de alguns de seus contemporâneos. A maneira tradicional como o filme apresenta John Wayne também se torna um problema. Seu desempenho é certamente magnético, mas custa quase todo mundo. Ao contrário da versão do filme do Coen Brother, que retrata os heróis coadjuvantes como iguais, a versão de 1969 é claramente o show de John Wayne. É uma mentalidade de protagonista desatualizada que torna certos papéis coadjuvantes (particularmente La Boeuf de Glen Campbell) quase insuportáveis.
8 An Affair To Remember (1957)
An Affair to Remember começa com uma premissa relativamente simples. Nickie Ferrante (Cary Grant) cruza com Terry McKay (Deborah Kerr) por acaso. Ambos estão em relacionamentos, mas estão claramente atraídos um pelo outro. Como tal, eles concordam em se encontrar novamente em seis meses no Empire State Building para ver como estão na vida. Em uma reviravolta chocante de eventos, Terry é atropelado por um carro a caminho do Empire State Building. Como tal, ela não comparece ao encontro e não faz planos de se encontrar com Nickie novamente.
É aqui que o filme começa a se datar. An Affair to Remember é na verdade um remake de um filme de 1939 chamado Love Affair, que se torna óbvio quando você começa a suportar uma série de versos românticos cafonas como "O inverno deve ser frio para quem não tem memórias quentes" e "Se tivesse acontecer com um de nós, por que não poderia ter sido eu? " Este nível extremo de insolência diminui uma premissa que já estava em terreno duvidoso com sua pergunta "Pode um homem realmente amar uma mulher em uma cadeira de rodas?" enredo.
7 The Sound of Music (1965)
Existe uma classificação G difícil? Nesse caso, então The Sound of Music merece. Em primeiro lugar, sejamos claros que musicais inocentes de outros tempos não envelhecem mal automaticamente. Mary Poppins, por exemplo, ainda é um filme de família muito inteligente e bem feito. Singin 'in the Rain também é um filme particularmente brilhante sobre uma época de transição no cinema que por acaso é um musical. The Sound of Music, no entanto, é um musical por ser um musical.
Em termos de produção, as amplas tomadas de campo que são sempre mostradas quando o filme é destacado ainda são impressionantes. O que normalmente não é mostrado nesses rolos de destaque, no entanto, são as quase três horas de empinamentos sem propósito e números musicais alongados projetados para atrair apenas os bajuladores cantores. O filme é muito mais um produto de seu tempo, no sentido de que é apresentado como uma gloriosa homenagem ao gênero musical live-action muito popular. Isso funcionou muito bem para o público em 1965, mas em 2016, quem quiser assistir a um grande musical de Hollywood encontrará muitas alternativas com muito mais propósito narrativo. O melhor desse pode ser ouvido na trilha sonora oficial.
6 O nascimento de uma nação (1915)
Existem dois pontos de vista distintos quando se trata de The Birth of a Nation, de DW Griffith. A primeira é que o filme é indiscutivelmente o filme mais importante na história da produção cinematográfica. Qualquer pessoa que tenha assistido a uma aula de cinema já ouviu essa perspectiva. Para um filme feito em 1915, O Nascimento de uma Nação quase parece que poderia ter sido rodado nos últimos 10 anos. O outro ponto de vista identifica apropriadamente este filme como um dos filmes mais abertamente racistas já feitos. Isso provavelmente tem a ver com o fato de retratar a Ku Klux Klan como heróis quase imaculados.
À medida que o tempo passa, a polêmica começa a superar em muito a trilha cinematográfica do filme. Não é fácil assistir Birth of a Nation e superar seus elementos sociais mais antigos. É um obstáculo que não se torna muito mais fácil de superar quando você percebe que este filme gerou um interesse renovado na filiação à KKK e foi originalmente intitulado The Clansman. O uso prolífico de blackface em todo o filme é apenas o prego final no caixão.
5 Easy Rider (1969)
Você não pode exagerar o impacto que Easy Rider teve no cinema americano. É corretamente reconhecido como o filme que ajudou a iniciar o que é comumente referido como a era da Nova Hollywood. Esta era é caracterizada pela disposição dos estúdios de permitir que diretores americanos assumam o papel de autores e tenham controle criativo de seus próprios filmes. Socialmente, o filme falou para uma geração de americanos que vivem em meio a um clima cultural em mudança. Abraçou o fascínio da estrada aberta enquanto enfrentava os horrores de certas normas culturais.
Só porque um filme é importante não significa que necessariamente envelheceu bem, é claro. Existem problemas com este filme de uma perspectiva técnica (principalmente relacionados à estrutura da história), mas o verdadeiro problema é a mensagem de Easy Rider. Seus temas de contra-cultura ressoaram facilmente com uma geração passada que raramente era falada pelos filmes, mas as aventuras de Wyatt e Billy provavelmente parecerão egoístas e superficiais quando vistas sob uma luz moderna. Este filme uma vez falou com as pessoas. Agora ele grita com eles com uma retórica cansada.
4 Bonnie e Clyde (1967)
Para ser justo, havia um bom número de pessoas que não eram muito loucas por Bonnie e Clyde após seu lançamento. Aqueles que não gostaram do filme muitas vezes citaram sua violência e conteúdo sexual como a razão de seu descontentamento. Este foi um dos primeiros grandes lançamentos na história do cinema americano a realmente sensacionalizar a violência, não se esquivando de exibi-la por completo. Abortos eram usados com bastante liberalidade para efeitos de tiro. Ele também não teve nenhum escrúpulo em interpretar o relacionamento altamente sexual entre seus personagens principais. No final, porém, o filme acabou sendo reconhecido como um lançamento historicamente significativo que mudou a maneira como os filmes americanos retratam a violência.
Desde então, uma infinidade de filmes apareceu, fazendo com que a violência de Bonnie e Clyde parecesse um desenho animado de sábado de manhã. Seria quase impossível para qualquer pessoa que assistiu constantemente a filmes dos últimos 20-30 anos assistir Bonnie e Clyde e ficar chocado com qualquer coisa que eles viram. Sem a mesma reação emocional que o filme gerou uma vez, Bonnie e Clyde se tornam muito mais notáveis por sua apresentação freqüentemente estranha e narrativa desleixada. É um filme drive-in muito divertido, mas não um filme que seria um queridinho de prêmios pelos padrões de hoje (ele foi indicado para 10 Oscars há muito tempo).
3 The Towering Inferno (1974)
Na época de seu lançamento, The Towering Inferno era uma ótima ideia para um grande filme. Seguindo os passos de The Poseidon Adventure, este filme reuniu tantas estrelas quanto o estúdio podia pagar em um prédio que pegou fogo e está se desintegrando rapidamente. Foi um filme de desastre antes que o título fosse necessariamente aplicado ao gênero, e o público fosse atraído por seu poder de estrela e espetáculo. Na verdade, é um precursor do blockbuster moderno dessa forma.
Muitos sucessos de bilheteria ao longo dos anos não envelheceram bem, mas The Towering Inferno se destaca em alguns aspectos. Em primeiro lugar, embora Paul Newman e Steve McQueen sejam sempre grandes atrativos, o poder das estrelas do filme não irá transcender gerações, a menos que você sempre tenha desejado ver Fred Astaire e OJ Simpson no mesmo filme. Avião! a dissecação especializada de todo esse subgênero também não ajudou em nada os momentos dramáticos do filme. Só podemos receber tantos beijos finais de "caso eu não te veja novamente" e "controle-se mulher!" momentos antes de você perceber que este foi certamente o produto de uma época diferente.
2 sopa de pato (1933)
Você pode pensar que os filmes dos anos 20 e 30 são apenas escolhas fáceis. Quantas coisas realmente envelhecem bem depois de quase 100 anos? Na verdade, existem alguns filmes desse período que ainda são relevantes hoje. As obras de Charlie Chaplin, por exemplo, são notáveis por seu humor e surpreendente profundidade emocional. O mesmo não pode ser dito facilmente dos Irmãos Marx. Harpo, Groucho, Gummo e Zeppo Marx eram um grupo cômico que já foi o brinde dos primeiros tempos do cinema. Embora tivessem muitos filmes populares, poucos se tornaram tão significativos quanto Duck Soup, de 1933.
Assistir Duck Soup agora é quase o equivalente a assistir a um comediante de stand-up lançar piadas atrás de piadas para o público. Um casal pode pousar, mas é mais uma questão de volume do que de bom humor. Esse estilo certamente é antiquado por si só, e a sopa de pato não ajuda sua própria causa ao se concentrar no humor político. Não só muitas das referências do filme vão voar sobre a cabeça do espectador moderno médio, mas também significa que até as melhores piadas aparecem como aquelas velhas charges políticas onde a piada é claramente rotulada, para evitar qualquer confusão potencial.
1 E o Vento Levou (1939)
E o vento levou é tão sinônimo de filmes clássicos que está se aproximando do status de meme. Por exemplo, se você comer um bom cachorro-quente, pode dizer "Esse foi o vento dos cachorros-quentes E o vento levou". (Bem, você pode.) É um filme épico no verdadeiro sentido da palavra. Abrangendo vários locais elaborados e apresentado em cores gloriosas, este filme foi feito por um valor chocante de US $ 3,85 milhões (cerca de US $ 66 milhões hoje), e quase todo dólar desse orçamento é exibido na tela. Estabeleceu um padrão de produção que não seria igualado nos próximos anos.
Também está bastante desatualizado em muitos aspectos. Do ponto de vista do cinema, as cenas prolongadas e o desempenho excessivamente dramático não são mais tão digeríveis como antes. Você também tem vários momentos infelizes de mensagens políticas ao contrário. O retrato da escravidão e do “Velho Sul” em geral que E o Vento Levou é muitas vezes romantizado de maneira dolorosa. Há também a questão da cena envolvendo Rhett forçando Scarlett para dar aqui "o que está vindo para ela". Era uma vez, isso passou como romance cinematográfico, mas agora é mais comumente referido como estupro. A explicação de Rhett de que suas ações foram justificadas porque ele bebeu muito certamente não alivia o problema.
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