Com uma bilheteria internacional de mais de $ 700 milhões em todo o mundo e $ 354 milhões no mercado doméstico, Patty Jenkins 'Mulher Maravilha facilmente se classifica como um dos filmes de maior sucesso comercial já dirigido ou co-dirigido por uma mulher.
Ele também ganhou elogios da crítica em toda a linha, com uma classificação surpreendente de 92% no Rotten Tomatoes, oficialmente certificando-o como "fresco".
Embora alguns dos elogios possam ser excessivos, não há como negar o notável sucesso do filme tanto como uma obra de entretenimento quanto como um ponto de convergência cultural para o avanço das mulheres no cinema.
Neste artigo, faremos um retrospecto da história do cinema e nos lembraremos do importante papel que as cineastas desempenharam nele. A partir do trabalho pioneiro de Alice Guy-Blache a coroação de Kathryn Bigelow nos 82 nd Oscar, as mulheres sempre estado na vanguarda do progresso cinematográfico.
Para celebrá-los, aqui está uma lista dos 16 melhores filmes de todos os tempos dirigidos por mulheres, classificados.
16 The Babadook (2014 - dir. Jennifer Kent)
Quase todo grande filme de terror tem uma tendência de dor reprimida, da qual os demônios, fantasmas, monstros e assassinos são uma expressão agressiva. Deste conhecido truísmo, Jennifer Kent extraiu o filme mais comovente sobre luto e depressão desde Melancolia de Lars Von Trier e um dos mais verdadeiros retratos da paternidade já feito.
Em vez de usar sua metáfora como o argumento principal da história, O Babadook a constrói sobre uma base de cenas realistas e desconfortáveis do conflito mãe-filho, das quais o monstro titular emerge como uma culminação lógica, fazendo a transição perfeita do filme para o reino da fantasia expressionista.
São as performances de duelo de Essie Davis e Noah Wiseman que energizam o filme e fornecem seu poder aterrorizante. Nos últimos anos, o Babadook também se tornou um símbolo para a comunidade LGBTQ.
15 Jeanne Dielman, 23 Quai Du Commerce, 1080 Bruxelles (1975 - dir. Chantal Akerman)
Imagine isto: um filme de três horas seguindo a rotina diária de uma mãe solteira enquanto ela se levanta, toma banho, prepara seu filho para a escola, limpa seu apartamento, compra mantimentos, prepara o jantar e se prostitui (principalmente fora da tela) Pagar as contas. Jeanne Dielman acontece em longas tomadas únicas, nas quais nenhum detalhe de suas ações é poupado, com diálogos esparsos e nenhuma narração de voz para explicar seus pensamentos.
Se isso parece um teste de resistência, é porque até certo ponto é. Ao compartilhar cada minuto e intervalo de silêncio conosco, Chantal Akerman testa nossa paciência e capacidade de empatia para revelar melhor o significado que essas tarefas carregam para sua protagonista e o tributo que lentamente assumem sobre ela.
Ancorada por uma performance de liderança turística visivelmente devastadora de Delphine Seyrig, Jeanne Dielman é uma obra-prima de terror social, cuja potência de queima lenta permanece sem paralelo até hoje.
14 14. Clueless (1995 - dir. Amy Heckerling)
É esse detalhe crucial que separa os bons filmes de adolescentes dos ruins, e Clueless derruba tudo isso. É observador, engraçado e muito mais inteligente do que parece inicialmente - uma combinação perfeita para seu protagonista.
13 The Prince Of Egypt (1998 - dir. Brenda Chapman & Simon Wells)
O Príncipe do Egito é uma espécie de anomalia na filmografia de quase duas décadas da DreamWorks: a quilômetros de distância da modernidade dos garotos descolados que agora define a maior parte de sua produção pós-Shrek.
Esta versão animada da história de Moisés e sua libertação dos hebreus da escravidão egípcia é majestosa, reverente e séria de uma forma que falta até mesmo nas produções atuais da Disney. Usando a relação fraterna de Moisés e Faraó Ramsés II como ponto central de conflito, o filme de Brenda Chapman e Simon Wells aborda a fé, a lealdade e o amor com uma franqueza amigável às crianças que, apesar de suas origens corporativas, dá um toque muito mais pessoal do que os épicos bíblicos de antigamente.
Uma coisa que tem em comum com os clássicos épicos bíblicos, porém, é um elenco repleto de estrelas ostentando nomes como Val Kilmer como Moisés, Sandra Bullock como Miriam, Jeff Goldblum como Aaron e - o melhor de tudo - Ralph Fiennes como Ramsés.
A humanidade plenamente realizada dos personagens coloca suas lutas com deus, poder e destino em um nível familiar, ampliando-as de uma forma que nos humilha. Quem poderia imaginar que um filme de animação infantil seria uma das adaptações religiosas mais profundas já feitas?
12 Tomboy (2011 - dir. Céline Sciamma)
Lançado em abril de 2011 para elogios da crítica na bilheteria francesa, esta história gentil segue uma menina andrógina de 10 anos que se veste como um menino para caber em seu novo bairro e desenvolve uma paixão mútua por uma garota local.
Ele ganhou notoriedade inesperada em 2013, depois que grupos de pais conservadores reclamaram que ele foi mostrado a alunos do ensino fundamental como parte de uma iniciativa de estudos de cinema apoiada pelo governo. No contexto da recente legalização do casamento entre pessoas do mesmo sexo nos EUA e do acalorado debate nacional em torno dele, a ideia de crianças em idade escolar assistindo alguém de sua idade explorando sua identidade sexual na tela foi vista pelos oponentes como um ataque provocativo à sua inocência.
Ironicamente, a inocência passa a ser uma das qualidades principais do filme. Como uma amiga invisível, a câmera de Sciamma nos convida ao mundo de sua protagonista sem torná-la um objeto de estudo ou exploração sociológica. Esse tato inteligente torna Tomboy um dos melhores filmes já feitos sobre a natureza performativa dos papéis de gênero e as fronteiras borradas entre os sexos que eles ocultam.
11 The Piano (1993 - dir. Jane Campion)
Com uma Palme d'Or no Festival de Cannes, três Oscars fora do oito indicações no 66 º Academy Awards, e US $ 140 milhões em bilheteria internacional contra um orçamento de US $ 7 milhões, o piano é certamente um dos filmes mais bem sucedidos alguma vez feito por uma realizadora.
Situado no 19 º século Nova Zelândia, que relata a experiência de uma mulher muda nova vendida em casamento a um sertanejo rico, e sua luta pela independência e auto-expressão. Isso é significado pelo contrato sexual que ela faz com um marinheiro branco aposentado em troca do único meio de expressão que ela realmente possui: seu piano premiado.
Jane Campion transmite os sentimentos de deslocamento, depressão e esperança de sua personagem com uma sensualidade inebriante que lembra a grande poesia romântica da época. Amor, dor, crueldade e paixão seguem um ao outro em uma dança inebriante que culmina em um final milagroso que o deixa tonto e eufórico.
10 Fast Times At Ridgemont High (1982 - dir. Amy Heckerling)
Antes de revitalizar a comédia colegial americana com Clueless, Amy Heckerling foi a pioneira em 1982 com Fast Times At Ridgemont High. O filme consegue compactar um ano inteiro de aventuras, namoro e quebra de regras em 90 minutos de duração.
Ele segue uma rede diversificada de alunos, desde a virgem de Jennifer Jason Leigh, Stacy, até o drogado Jeff Spicoli, de Sean Penn, enquanto eles navegam nas hierarquias geracionais, sociais e sexuais de sua escola.
Como uma ponte entre American Graffiti e Dazed And Confused, Fast Times At Ridgemont High é uma comédia adolescente cujas risadas nos informam tanto quanto nos divertem. A direção perspicaz de Heckerling e as escolhas de músicas acertadas, juntamente com um roteiro impecavelmente equilibrado, cortesia de um jovem Cameron Crowe, demonstram uma compreensão empática da psique adolescente que poucos cineastas rivalizaram antes ou depois.
9 The Virgin Suicides (2000 - dir. Sofia Coppola)
"Obviamente doutor, você nunca foi uma garota de 13 anos"
É o que fala Cecilia Lisbon, a mais jovem de uma irmandade de cinco meninas de uma família católica conservadora de classe média alta em Michigan dos anos 1970, ao infeliz psiquiatra que tenta entender sua tentativa de suicídio. Suas palavras - frias, diretas e penetrantes - resumem a totalidade do primeiro longa-metragem de Sofia Coppola, em que um grupo de adolescentes dá testemunho impotente da misteriosa desintegração das meninas.
O enfoque de Coppola no tédio existencial de mulheres e meninas privilegiadas atraiu sua cota de críticas, mas sua compreensão da psique adolescente quebra todas as barreiras de classe aqui. Isso é ajudado pelas performances extremamente precisas de Kirsten Dunst, Kathleen Turner e James Woods. Alternadamente alegre, agridoce e agourento, The Virgin Suicides brilha com o realismo elevado de memórias que eventualmente se fundem com nossos sonhos.
8 Persepolis (2007 - dir. Marjane Satrapi & Vincent Paronnaud)
As adaptações de quadrinhos não ficam muito melhores do que a adaptação animada indicada ao Oscar de Marjane Satrapi e Vincent Paronnaud da história em quadrinhos autobiográfica do primeiro sobre o crescimento na era da Revolução do Irã e as esperanças destruídas, a tirania hiper-patriarcal e a emancipação rebelde que veio com isto. Usando um estilo de animação de linhas nítidas que contrasta com o preto, branco e cinza para um efeito vívido, Persépolis salta para o visualizador como um livro pop-out ganhando vida.
Esse estilo funciona como uma lembrança ilustrada da memória juvenil que transmite todas as suas emoções associadas com um toque de lucidez adulta irônica. Com um coquetel impecavelmente equilibrado de humor autodepreciativo e melancolia agridoce, fantasia de infância e angústia política adolescente encontram uma manifestação visual comum que simultaneamente complexifica e desmistifica a história moderna do país.
7 Orlando (1992 - dir. Sally Potter)
A androginia de Tilda Swinton nunca foi melhor aproveitada do que nesta requintada adaptação de 1992 do romance inovador de Virginia Woolf. Segue-se um nobre elisabetano cujo sexo muda misteriosamente de masculino para feminino e que subsequentemente experimenta séculos de sexismo, desgosto e amor, ao mesmo tempo que mantém a juventude eterna.
Nas mãos de Sally Potter, essa reflexão sobre gênero, sexo, poder e mortalidade se torna um conto de fadas contemplativo que transporta seu público para um lugar de voo temporal suspenso, onde as únicas regras orientadoras são os pensamentos e sentimentos de seu personagem principal.
Isso permite que o filme deslize por diferentes períodos de tempo, como um visitante paciente em um museu. Orlando flui como um rio tranquilo, confiante em sua direção, mas nunca dando a você uma visão totalmente mapeada de seu destino final até sua foto final perfeita.
6 Canções My Brothers Taught Me (2015 - dir. Chloé Zhao)
A entrada mais recente nesta lista é um filme independente americano lançado apenas nos cinemas da França e de Nova York. Situado na reserva Lakota de Pine Ridge, Dakota do Sul, Songs My Brothers Taught Me segue Jashaun de 11 anos e seu irmão adolescente Johnny em sua vida diária, enquanto a morte inesperada de seu pai biológico os deixa pensando em seu futuro e lugar em um comunidade lutando pela sobrevivência.
A diretora estreante Chloé Zhao pinta as esperanças, sonhos e medos de sua personagem com um toque delicadamente impressionista que evita clichês emocionais com uma maturidade que cineastas mais experientes raramente alcançam.
Ela não exige piedade nem simpatia do público, preferindo chamar a atenção para a necessidade profundamente humana de seus personagens de se conectar e pertencer por meio de edições sutis, performances semi-improvisadas e uma câmera que consegue ser onipresente e discreta. Calmo, contido e respeitosamente compassivo, o filme de Zhao desperta a consciência social do espectador com um poder silenciosamente evocativo.
5 American Psycho (2000 - dir. Mary Harron)
A adaptação de Mary Harron do romance de terror satírico supostamente não-filável de Bret Easton Ellis sobre um yuppie desordenado e misógino de Wall Street - que pode ou não ser um assassino em série - permeou tão completamente a consciência popular que é fácil esquecer o quão controverso foi em seu liberação. Além das objeções feministas sobre o conteúdo do material de origem, muitos críticos de cinema o consideraram fácil, desdentado e extremamente superficial.
Por mais compreensíveis que sejam essas críticas, elas perdem a inteligente subversão do estilo sedutor de Harron e o desempenho autoconscientemente amplo de Christian Bale. Sua comédia não é denunciatória, mas curiosa; usando cinematografia de suspense e performances exageradas de masculinidade capitalista, ela vira o fascínio do artifício contra si mesmo para expor melhor o vazio por trás dele.
4 Comportamento apropriado (2015 - dir. Desiree Akhavan)
Lançado nos cinemas em 2015 depois de passar um ano sendo projetado em festivais de cinema em todo o mundo, a estreia de Desiree Akhavan como ator, roteirista e diretor sinaliza o surgimento de um novo talento excepcionalmente aguçado e revigorante.
Em uma época em que as comédias independentes centradas no amor e na vida sexual de neuróticos nova-iorquinos de classe média se tornaram quase tão encenadas quanto sucessos de bilheteria cheios de explosões de ação, o que o Comportamento Adequado realiza é nada menos que um milagre.
Com precisão precisa e um timing cômico devastadoramente preciso, Akhavan vagamente usa sua própria experiência para narrar as crises de identidade de Shirin do Brooklynite persa, enquanto um rompimento com sua namorada a embarca em uma busca de autoavaliação.
Ao longo da jornada, ela faz experiências com sexo, tenta se conformar às expectativas feministas liberais e luta com a decisão de assumir ou não o compromisso dos pais. Assistir a uma comédia de tão desarmante sinceridade e precisão humana é ganhar esperança para o futuro do gênero e do cinema americano.
3 35 Shots Of Rum (2008 - dir. Claire Denis)
Conhecida por suas meditações cinematográficas sobre o impacto do legado colonial da França, Claire Denis é uma das cineastas vivas mais respeitadas da França e, ao assistir 35 Shots Of Rum, é fácil perceber por quê.
Seguindo o maestro das Antillenas Lionel e sua filha pós-adolescente Joséphine enquanto eles aproveitam o tempo que sobraram juntos antes de sua separação inevitável, Denis tece uma tapeçaria extraordinariamente rica da vida humana a partir de simples sentimentos e ocorrências cotidianas.
Cada personagem, cena e ação parecem ao mesmo tempo intimamente familiares e surpreendentemente novos, como se você estivesse vivenciando a vida de velhos amigos e familiares da perspectiva de um estranho invisível. Você conhece e se preocupa com essas pessoas de maneiras que nunca pensou ser possível para personagens de ficção. O cinema raramente fica mais generoso, complexo e afirmativo do que isso.
2 Wanda (1970 - dir. Barbara Loden)
Pelas regras tradicionais da narrativa cinematográfica, Wanda deveria ser um fracasso completo. É um retrato episódico de trama fraca de um protagonista irritantemente passivo - e quase mudo - que deixa as coisas acontecerem com ela sem iniciativa própria e teimosamente resiste a qualquer tentativa do público de se identificar com ela.
No entanto, ao reduzir todas essas bases narrativas ao mínimo, a diretora, escritora e estrela Barbara Loden dá a sua personagem uma realidade dolorosa diferente de qualquer coisa que um filme realista mais convencional poderia produzir.
Como atriz, Loden era originalmente conhecida pelo público em geral como a esposa do famoso cineasta Elia Kazan. Wanda, infelizmente, acabou sendo seu único longa-metragem, mas, com esse único filme, ela fez tudo para ser pioneira na arte do cinema, assim como seu marido fez com 21.
1 Mulher Maravilha (2017 - dir. Patty Jenkins)
As conquistas da Mulher Maravilha certamente merecem uma menção honrosa. Como o primeiro filme DC Extended Universe e o primeiro filme de super-heróis liderados por mulheres a receber críticas esmagadoramente positivas, ele quebrou duas tendências negativas simultaneamente. Como uma história de origem, ela conseguiu atingir batidas familiares ao mesmo tempo em que ajustava detalhes suficientes para oferecer algo novo.
Na verdade, o principal sucesso da Mulher Maravilha como filme é a maneira como usa as raízes feministas míticas de sua heroína para revitalizar padrões narrativos convencionais - particularmente aqueles envolvendo Steve Trevor.
Através dos olhos curiosos de Diana, que não são manchados pelo cinismo, Patty Jenkins nos lembra do significado que os heróis têm para nós e corrige o mal-entendido superficial de seus antecessores. São os momentos sutis do filme que o tornam tão satisfatório.
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